El tema viene a cuento por lo siguiente: no se si porque venimos de la lectura, de un entorno de letras con algo de ciencias, o por lo que sea, creemos que la base de cualquier pieza audiovisual que vayamos a contar se fundamenta en la escritura, ya sea una serie, un spot publicitario, un videoclip, etc.Tienes que tener una idea previa -en el peor de los casos- o todo absolutamente planeado -en el mejor- para contar algo interesante. Mucha gente viene de otro tipo de backgrounds, o incluso profesionales con los que nos hemos encontrado por estas latitudes, se sorprenden cuando, hablando, sale el tema. Es como algo en lo que no habían pensado; gente que se cree que la cámara sola cuenta historias o que la cámara tal es la que graba bien.  A mi no me sorprende, cuando recibo un mail de alguno en el que se lee “Haber si nos vemos”, por ejemplo.

El verano de 2009 lo recordaré como el verano en el que, aprovechando la inactividad nacional generalizada de Agosto, Julio y, si se puede, Junio, nos metimos a escribir el guión del resto de la serie -la primera temporada ya había sido grabada-. Aprovechando las vacas flacas, nos encerramos a escribir durante dos meses una trama compleja, con decenas de personajes, tramas, líneas argumentales y situaciones diferentes. Momentos geniales, cuando damos con una solución, momentos en blanco, mañanas vacías, momentos de discusión porque a Enrique le gusta una idea y a mi la contraria. En esta fase, el guión es como plastilina. Se trata de ir tirando hasta hacer una pieza con empaque y con una forma y fondo que nos guste a los dos. A partir de tener la trama, todo es más fácil. Una vez terminado, somos de los que acceden a cualquier idea, cambio o sugerencia por parte de los actores -ahí están para confirmarlo- siempre que nos guste.

Todo esto viene porque, a estos niveles, si no preproduces bien, no tienes ni el tiempo ni el dinero para arreglar cualquier desaguisado después. Asi que, ya que los imprevistos son inevitables… mejor no añadir más por no escribir antes. Para algo improvisado y sin sentido, esto que hicimos, por ejemplo:

Blas interpretará al personaje del catedrático Gregorio Calama.

En la imagen el actor Roberto Golan.

En la imagen os presentamos a Chano Cantos, el futuro Inspector Rivera.

En la imagen los actores Asencio Salas, Manuel Fuentes y 2 nuevas incorporaciones, Mar Fernández y Vicente Carmona.

]]> http://www.jindama.es/diario/?feed=rss2&p=65 0 http://www.jindama.es/diario/?p=20 http://www.jindama.es/diario/?p=20#comments Sat, 29 Aug 2009 15:20:30 +0000 admin http://www.jindama.es/diario/?p=20 Supongo de la mejor manera de comenzar un rodaje no es con casi 39 de fiebre, pero eso no lo elige uno. Nos habían cedido un pasillo del Hospital Puerta del Mar que se encontraba vacío por aquella fecha -3 y 4 de Enero de 2008-. Al ser nuestro primer rodaje “jugando fuera”, teníamos cierta presión por hacerlo bien, de una manera lo más profesional posible y, sobre todo, grabando todos los planos que habíamos decidido en preproducción.

La tensión que se palpaba en el aire antes de rodar el primer plano era indescriptible. Empezaba la aventura. Meses de guión y de preparación pasaban a la fase del ahora o nunca que siempre supone un rodaje. Además, lo primero que grabamos fue un travelling de Lucía entrando en el pasillo. Es decir, un plano coreografiado en el que Alex, agachado y fuera del encuadre, abría la puerta del pasillo, Lucía empujaba el carrito, Nicolas y Jose me empujaban a mi subido en el travelling y yo operaba la cámara. Al igual que digo que la tensión antes de ese plano era increible, igual de increible fue como desapareció tras grabarlo.

A partir de ahí, todo fue más o menos sobre ruedas. También tuvimos la suerte de que aquel día estaba todo el equipo, asi que las labores las pudimos repartir de manera que todo fuera lo mas fluido posible. En este sentido, por ejemplo, aunque un servidor traía bastante clara la forma de iluminar cada escena, la presencia de Jimi, que había venido desde Madrid, aportó ideas sugerentes que fueron incorporadas a lo planteado previamente. De hecho, casi pudimos delegar en él en lo referente a las luces, una vez explicado lo que queríamos, con lo que Enrique y yo nos centramos en dirigir.

La escena de la persecución, a là Linch, la grabamos con un estabilizador y con una iluminación a base de dimmers que Nicolás había preparado. Ahí dejamos pasar un poco la improvisación a escena, y el resultado nos gustó bastante.

Por último, destacar el trabajo desinteresado de todo un equipo que se volcó como el que más, que descubrió lo cansado que es un rodaje, y el empeño de Lucía, que también andaba con gripe y que terminó incluso corriendo por el hospital… como apunte a mejorar, sin duda, la necesidad imperiosa de un ayudante de dirección que nos quite palos a Enrique y a mi, atentos a la cámara, actores, sonido, ruidos, gente que chilla al fondo del pasillo mientras se rueda… ¡se admiten voluntari@s! Además, Lourdes pudo venir a maquillar, antes de sufrir el ostracismo forzoso que padecen tantos gaditanos, y emigrar a Las Palmas en busca de El Dorado, digo del trabajo. La diferencia entre tener alguien que maquille y no tenerlo, es enorme. ¡Se admiten voluntari@s!

El problema reside en lo siguiente: un buen montaje es aquel que no se nota. Esto, que lo digo yo aqui, no es original, aunque lo suscribo totalmente. Walter Murch y Edward Dmytryk, entre otros, ya dieron testimonio de esto en sus películas y manuales. Y algo de esto sabían -aunque en mi opinión Murch se pasa un poco cuando dice que hay que montar en el momento justo en que el ojo parpadea, sobre todo si hay pelusas en la sala-. Se trata de conseguir que la obra tenga fluidez y en ningún momento el espectador se salga de la misma. Es lo que se llama suspensión de la incredulidad (suspension of disbelief), que sería el consentimiento que una persona hace para suspender su sentido crítico y disfrutar de la obra (por ejemplo, creerse que las naves existen para disfrutar Star Wars). Sin esta cualidad humana, ni cine ni teatro serían posibles, ya que llegaríamos al cine a ver, por ejemplo, El Caso Bourne, y al empezar la película diríamos “esa música no puede estar sonando ahí en medio del océano… ese no es Bourne, sino Matt Damon, eso no es la realidad, es un trozo de pared con una tela…” y nos saldríamos del cine a coger coquinas.

Personalmente, de todas las teorías de montaje que he podido leer, entrevistas, manuales, películas examinadas, etc, me gusta montar con las reglas básicas en la recámara -salto de eje, etc-, y que sea la misma obra la que te va pidiendo el tempo del montaje. Es algo más intuitivo, más de feeling, pero al final te das cuenta de que funciona. Creo que algo tiene que ver la intuición musical en este sistema. Michael Kahn -atentos a la filmografía- decía trabajar así. En los extras del pack de la trilogía de Indiana Jones hay una entrevista interesantísima a este maestro en la que describe cómo monta, en concreto la secuencia de la avioneta de La Última Cruzada. Tras leer el guión, entra en la sala sin ideas preconcebidas, viendo cada plano, midiendo inconscientemente el timing y pensando al momento en diferentes opciones. Curiosamente, el resultado SIEMPRE le gusta a Spielberg. Claro que para esto necesitas un director que te de pie a ello.

En el siguiente artículo hablaré un poco sobre la experiencia personal que supuso el montaje de Jindama, con algunos de los problemas que nos encontramos en el montaje, cómo los solventamos, algunas sorpresas que te llevas, y como decidimos el resultado final. Saludos y gazpacho fresquito.

Lo mejor de no estar apadrinado por nadie es que tienes libertad para hacer lo que te salga de los cojones, y eso encaja muy bien con nuestra manera de escribir, nuestra forma crítica de ver lo que hay y lo que no hay y nuestra intención de plasmar ciertos elementos del Cádiz de hoy con la acidez con la que lo hacemos en los bares, cerveza en mano. Lo peor, ya se sabe, es que no tiene uno donde caerse muerto. Pero no se puede tener todo.

Y, por fin, pensamos que, si con todo el bombo que se le estaba dando al 12  -que si el 12 parriba, el 12 pabajo, 12 monos, 12-1 contra Malta, el 12 es bueno para los gaditanos, etc- no sería una forma inteligente de poder sacar algo de financiación encajando la trama dentro de ese episodio histórico de Cádiz. Fuese como fuese, tenía mas probabilidades que si lo basábamos en un pueblo de Teruel en el pleistoceno. Así, en verano del año pasado nos encerramos dos meses a escribir la trama entera, uniendo líneas argumentales, creando personajes, eligiendo sitios, episodios, eliminando los elementos sobrenaturales y de casquería, y dejando algo que, por lo menos, a nosotros nos gustara: thriller, aventura, mala leche, gente de Cádiz en un contexto inusual, un poco de corrupción por ahí y un secreto histórico por otro lado. Es una lista de ingredientes que a mi, por lo menos, me haría ir al cine -siempre y cuando no apareciera Nicolas Cage sin patillas en esa lista-.

Diputación apostó por nosotros al ver el trailer, a nivel de patrocinio, y fue un detalle muy de agradecer, ya que su apuesta por el proyecto significó que pudieramos comprar una cámara, algo altamente recomendable si quieres dedicarte a esto. Con un 2b de Staedler es mas difícil. De las localizaciones que nos cedieron -bares, hoteles, etc- y del trabajo desinteresado de un equipo humano impagable -que ya para mí hace que todo esto haya merecido la pena-, hablaré otro día.

Pensamos que la estructura de la serie bebiese de las producciones actuales. Nos tragamos desde Los Soprano a Perdidos, pasando por Prison Break, Heroes, The Wire, Carnivale, Dexter… con la idea de buscar referentes en cuanto a estructura narrativa, sin olvidar que muchas de estas estructuras vienen determinadas por la imposición de la publicidad. Con la HBO es diferente, al no tener cortes. No puedo dejar de mencionar la utilidad de ciertos manuales que adquirí por internet, en concreto “Write to TV” de Martie Cook, y sobre todo “Writing the TV drama series” de Pamela Douglas. Imprescindibles. Evidentemente, ambos sin traducción al español, ya que la existencia de este tipos de manuales en suelo patrio es directamente proporcional a la existencia de manuales de toreo en Dakota del Sur.

Tras este periodo de análisis y profundización en el tema, lo teníamos mas o menos claro. La conclusión, y lo que nos parecía más coherente, era tejer cada trama en una serie de escenas de pocos minutos, intentando no aburrir, e ir entrelazándolas para dejar en vilo al espectador. Éramos conscientes también de que la narrativa actual ha cambiado de manera considerable, con una generación que raramente ve la televisión si no es por los deportes, y cuya paciencia se termina exactamente cuando termina lo que dura un video de youtube. En definitiva, le daríamos a la serie un ritmo alegre pero sin saturar.

Así terminamos el primer episodio, de 35 minutos, que ahí quedó, esperando una respuesta de ciertos medios, que nunca llegó, hasta que decidimos coger el toro por los cuernos, cortar el episodio en varias partes, crear una web, darle vida, y llevar la serie al lugar para el que fue pensada originalmente: internet. De momento, con lo que hay rodado, hay varios capítulos más -hasta 7 más o menos-. A ver si podemos seguir con la segunda fase del proyecto y pasar lo que hay escrito a la pantalla. Por ganas, ilusión y cabezonería no será, aunque en ciertos sectores creen que esto es gratis. Sectores que, curiosamente, son los que deciden para donde van los fondos.

Otro día seguiré con el apartado técnico. Cómo afrontamos la dirección, dirección de fotografía, montaje, etc… Un saludo desde aquí. Demasiado turismo. Demasiado.

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